Mapping Klee

Rund sieben Monate hält sich Klee mit seinem Freund Hermann Haller in Italien auf. Sie besuchen die berühmten Kulturstätten in Pisa, Rom, Neapel, Pompei und Florenz. 
Die Gemälde der Renaissance beeindrucken den angehenden Künstler. Ihre religiösen und mythologischen Themen hält er jedoch für veraltet. Ihm fehlt der Bezug zu den Fragen seiner Zeit.

Anders als mit den Gemälden ergeht es Klee mit der Architektur der Renaissance. Ihre klar gegliederten Strukturen basieren auf mathematischen Gesetzmässigkeiten. Rhythmus und Proportion bestimmen nicht nur den Baukörper, sondern werden auch in der Gestaltung der Fassaden sichtbar gemacht.

Für Klee machen diese Strukturen das eigentliche Wesen der Gebäude aus. Statt die Oberfläche abzubilden, könnte die neue Aufgabe der Kunst im Sichtbarmachen der elementaren Ordnung und Struktur liegen.

Aber Klee findet für diese Erkenntnis erst Jahre später geeignete künstlerische Ausdrucksformen. In der Zeichnung «Santa A. in B.» versucht er die Ordnung eines Stadtpanoramas mithilfe einer abstrakten, die einzelnen Elemente verbindenden Grundstruktur zu erfassen.

Klee entdeckt das Prinzip der Grundstruktur nicht nur in der Architektur, sondern auch in der Natur. Am 23. März 1902 trifft er in Neapel ein. Er besucht dort das öffentliche Aquarium Stazione Zoologica di Napoli, das vom deutschen Zoologen Anton Dohrn 1872 zur Förderung der Meeresforschung gegründet wurde und bis heute existiert. Die Unterwasserwelt wird für Klee zum Inbegriff der Entstehung und der Vielfalt des Lebens.

Die Zeichnung auf dem Titelblatt des Aquariumführers zeigt die Vielfalt der Unterwasserwelt: Schnecken, Krabben, Kraken und Fische. Jahre später verarbeitet Klee diese Erfahrung künstlerisch: Er zeigt den Blick in ein Aquarium. Fische und Menschengesichter lassen sich kaum auseinanderhalten.

Wie viele Künstler der Moderne sucht Klee nach Ausdrucksformen für das Elementare, die «Bausteine des Lebens». Nicht die Natur abbilden – wie er es an der Akademie gelernt hatte –, sondern wie die Natur selbst Neues erschaffen, setzt er sich zum Ziel. Anregung zu seiner Suche nach allgemeingültigen Gesetzen in der Natur findet er bei Johann Wolfgang von Goethe.

Nach über einem halben Jahr in Italien zieht Klee sich in seine Heimatstadt Bern zurück. Vier Jahre lang lebt er wieder im Elternhaus. Er versucht, sich autodidaktisch weiterzubilden, und studiert nun auch die Anatomie – die innere Grundstruktur des menschlichen Körpers.

Nach der Heirat mit Lily Stumpf kehrt Klee 1906 nach München zurück. Die Stadt hat damals den Ruf einer Hauptstadt der Künste. Wichtige Künstlerinnen und Künstler wie Gabriele Münter, Marianne von Werefkin, Alfred Kubin, Alexej von Jawlensky suchen dort nach neuen Wegen jenseits der akademischen Kunst.

1911 hat Klee die beiden Wortführer des Blauen Reiters, Franz Marc und Wassily Kandinsky, kennengelernt und damit Anschluss an die Münchner Kunstszene gefunden. Gleichzeitig sieht er in den Münchner Galerien Werke von Künstlern der französischen Avantgarde.

Jahrhundertelang war Rom die Hauptstadt der Künste. Anfang des 20. Jahrhunderts pilgern Künstlerinnen und Künstler aus ganz Europa nach Paris. Die französische Metropole wird zur Drehscheibe einer internationalen Avantgarde. Ein Netzwerk aus Künstlern und Galeristen ist der Nährboden für die Entstehung neuer Kunstrichtungen der Moderne, die in aufsehenerregenden Ausstellungen präsentiert werden.

In seinem Tagebuch hält Klee die Stationen seiner Reise fest: Er unternimmt eine Fahrt auf der Seine, besucht unter anderem den Louvre, Notre Dame und verschiedene Galerien. Bernheim-Jeune ist eine der ersten Galerien, die Kunst der Moderne zeigt und verkauft. Klee sieht dort Werke von Henri Matisse.

Daniel-Henry Kahnweiler eröffnet 1907 seine erste Galerie in Paris und wird zum wichtigsten Kunsthändler der Moderne. In Kahnweilers «Laden» sieht Klee Bilder von André Derain, Pablo Picasso und Maurice de Vlaminck.

Der Fortschritt in der Moderne entwickelt eine ungeheure Dynamik. Blauer Reiter, Futurismus, Expressionismus, Fauvismus … Die Zeit der «Ismen» ist angebrochen. Überall entstehen neue Kunstrichtungen. In Paris ist das zu dieser Zeit vor allem der Kubismus. In den Galerien begegnet Klee den Werken von Georges Braque und Pablo Picasso. Auf Vermittlung Kandinskys besucht Klee Henri Le Fauconnier und Robert Delaunay in ihren Ateliers.

Die kubistischen Bilder, die Klee in Paris sieht, sind ein radikaler Versuch, das Bild nicht mehr vom darzustellenden Objekt her zu denken, sondern mit den formalen Gestaltungselementen neue Kraft- und Raumverhältnisse zu schaffen.

Klee ist von der Konstruktion des Bildraumes fasziniert, die nicht mehr an die Zentralperspektive gebunden ist. Die extreme Fragmentierung der Gegenstände und Figuren beurteilt er jedoch kritisch. Damit ist auch die entscheidende Frage an die Malerei gestellt: Braucht es überhaupt noch einen abzubildenden Gegenstand im Bild?

Am 11. April 1912 besucht Paul Klee Robert Delaunay in dessen Pariser Atelier. Dort sieht er Delaunays Fensterbilder, in denen der Künstler den Kubismus weiterführt. Den Blick durch sein Fenster auf die Stadt hält er in abstrakten Farbfeldern fest. Er versucht, mit den Farben die spektrale Zusammensetzung des Lichtes darzustellen.

Delaunay arbeitet ausschliesslich mit Farben und reduzierten Formen. Klee schätzt diese abstrakten Farbfeld-Kompositionen mehr als die rein kubistischen Werke, die er wegen der Darstellung von Gegenständen als inkonsequent erachtet.

Paul Klee verdankt dem Werk und den Theorien Delaunays einen neuen Zugang zu Farbe, Licht und Abstraktion. Es gelingt ihm jedoch erst später Stadt- und Lichteindrücke in gegenstandslose Bilder, die von grosser Dynamik geprägt sind, zu übersetzen.

1914 reist Klee mit den Malern Louis Moilliet und August Macke nach Tunesien. Zwei Wochen lang sind sie auf den üblichen Touristenpfaden unterwegs – von Tunis über St. Germain und Hammamet bis nach Kairuan. Moilliet ist bereits 1908 und 1909 in Tunesien gewesen und übernimmt die Rolle des Reiseführers.

Louis Moilliet malt in dieser Zeit nur drei Aquarelle, ganz im Gegensatz zu seinen Freunden. Schon nach wenigen Tagen berichtet Macke, dass er eine Arbeitsfreude verspürt, wie er sie bisher nicht kannte. Er ist ein hervorragender Aquarellist, der Strassenszenen in bunten, leuchtenden Farben schildert. Klee ist zu diesem Zeitpunkt im Umgang mit Farbe noch immer sehr zögerlich.

In der geometrischen Schlichtheit der Gebäude erkennt Klee abstrakte Strukturen. Was er 13 Jahre zuvor in Italien bereits erahnt, wird hier zur Gewissheit: Er erkennt die Parallele zwischen einer städtebaulichen Architektur und dem Bildaufbau, der Struktur einer abstrakten Komposition. Klee bricht die Reise vorzeitig ab. Er will im Münchner Atelier sofort seine neuen Erkenntnisse umsetzen.

In Nordafrika gelangt Klee zum Wesen seiner Bildsprache, an der er bis zu seinem Lebensende weiterarbeiten wird: Abstrakte Strukturen und Raster überziehen die Bildfläche, während Erinnerungen an Gegenständliches immer wieder auftauchen.

Für Klee ist Abstraktion kein Gegensatz zur Figuration. Im Gegensatz zu den wichtigsten Kunstströmungen der Zeit entwickelt er einen Stil, der gegenständliche und abstrakte Elemente verbindet.

Klee ist auf dem Höhepunkt seiner Laufbahn. Die Berufung ans Bauhaus bedeutet für den Künstler nicht nur materielle Sicherheit, er zählt damit auch zu den wichtigsten Künstlern seiner Zeit.

Die Institution ist mit ihren internationalen Künstlern eine Keimzelle der modernen Kunst und Architektur. Sie debattieren über grundlegende Fragen der Gestaltung: Inwieweit kann das Zusammenspiel von Farbe, Form und Struktur neu definiert werden, damit darin die Anforderungen des modernen Lebens zum Ausdruck kommen?

Doch bei aller Begeisterung für diesen ästhetischen Austausch – die Reglementierungen des Lehrbetriebs und die Fülle seiner Aufgaben sind für Klee auch eine starke Belastung. Er fühlt sich müde und eingeengt. Klees künstlerisches Schaffen leidet unter der zeitraubenden Lehrtätigkeit.

Auf den Ferienreisen in den Süden kann er sich erholen. 1927 hält er sich auf Porquerolles im Süden Frankreichs auf. Er zeichnet nur wenig und geniesst vor allem das warme Klima und gutes Essen.

In den Ferien am Mittelmeer beobachtet Klee die Segelschiffe auf dem Wasser. Sie finden um 1927 vermehrt Eingang in Klees Bildwelt. Das Motiv fasziniert ihn. Der Gegensatz von eckigen und geschwungenen Formen trifft in diesen Bildern aufeinander. Gleichzeitig erzeugen die Linien und Formen den Eindruck der leicht schaukelnden Bewegung der Schiffe.

Klee erkennt in den Segelschiffen ein ideales Motiv, um seine Idee von Bewegung und Rhythmus zu verbildlichen. Es ist kein Zufall, dass die Muster in den Zeichnungen auch als Bewegungen eines Taktstocks interpretiert werden können.

Vom 17. Dezember 1928 bis zum 17. Januar 1929 bereist Klee Ägypten: Kairo, Alexandria und die südlicheren Orte Luxor, Karnak und Assuan. Seine Eindrücke vergleicht Klee mit denen seiner ersten Reise in den Orient. Die Moscheen in Kairo empfindet er als zu kitschig und barock.

Die Weiterreise in den Süden Ägyptens versöhnt ihn aber mit dem ersten Kulturschock in Kairo. Er lebt sich ein und beginnt in Luxor, Karnak und Assuan, das Afrikanische – er bezeichnet es als «nubisch» – der Menschen zu schätzen.

Rund um den Nil nimmt Klee einen Rhythmus in der Landschaft wahr, den er in seine Malerei überträgt. Horizontale Schichten gliedern den Bildraum. Er legt ihnen einen einfachen Zahlenrhythmus zugrunde: Die Aufteilung der Flächen erfolgt in 2, 4, 8 oder 16 Elemente. Auf diese Weise kann er den musikalischen Rhythmus im Bild darstellen.

Bereits während des Ersten Weltkrieges experimentiert Klee mit Buchstaben und Zahlen. Angeregt von arabischen Schriftzeichen, ägyptischen Hieroglyphen und prähistorischen Steinzeichnungen entwickelt er im Spätwerk eigene Schriftzeichen und Symbole.

Die Linie hat für Klee eine besondere Bedeutung. Sie ist Mittler zwischen der sichtbaren und der unsichtbaren Welt. Klee stellt Menschen, Tiere und Pflanzen mit reduzierten Strichen dar. Bis zu seinem Tod im Jahr 1940 bleibt die Linie das zentrale, bildnerische Element in seinem Schaffen.

Mit dem Strich gestaltet er zeitlose universelle Symbole, die für alle Menschen, unabhängig von ihrem kulturellen Hintergrund und ihrem Alter, verständlich sind. Sie inspirieren und lassen Raum für individuelle Interpretationen.

Ein Punkt setzt sich ohne konkretes Ziel in Bewegung und bildet damit eine Linie – diesem Phänomen gilt Klees Interesse. Die Bewegung und der Prozess sind Klee wichtiger als das Resultat, das bis zum Schluss offen bleibt. Ebendiese Offenheit macht seine Kunst so aktuell, interessant und einzigartig. Klee zeigt Wege auf, ohne das Ziel vorzugeben.

Für viele Kunstschaffende der Nachkriegszeit, die sich von den «Ismen» der Moderne zu lösen versuchten, ist Klee ein interessantes Vorbild. Denn er zeigt Wege auf, wie Impulse aus der Kultur oder den Naturwissenschaften in eine individuelle Bildsprache übersetzt werden können. Dabei geht es nicht um einen Stil, sondern um eine Haltung.